Christophe Alix est artiste, chercheur, enseignant en performance et directeur de l’École supérieure des Arts de l’image Le Septantecinq à Bruxelles. Il a vécu et travaillé pendant près d’une vingtaine d’années en Angleterre, Aston University d’abord, puis en tant que professeur en études théâtrales et des performances à la School of Arts and New Media de l’University of Hull. Sa pratique et sa recherche sur la performance l’ont conduit à publier et performer autour de questions liées à la mise en scène des autres et celle de soi, l’activisme, la technologie, des actions queer et plus récemment à partir d’une exploration socio-artistique d’un quartier ou d’une ville. Il parle alors de « performance invisible », c’est-à-dire une performance fondée sur des échanges de parcours de vie entre artistes et habitants desquels peuvent découler, avec des choix de médiums, formes et contenus variés, des éléments permettant ensuite d’établir une restitution artistique pour le public. Ce projet a donné lieu à l’exposition Voisinage et performance invisible : Douchy à L’Imaginaire / Centre des Arts et de la Culture en novembre 2017. Une publication est en préparation pour 2020. Christophe Alix défend aussi depuis de nombreuses années la place de la pratique artistique comme recherche fondamentale dans les études supérieures, sujet sur lequel il a aussi publié.

Vangelis Athanassopoulos est philosophe, historien de l'art et critique. Docteur en Esthétique associé à l'Institut ACTE (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne & CNRS) et membre fondateur de la revue en ligne Proteus, Cahiers des théories de l'art, il est l'auteur de La publicité dans l'art contemporain I. Esthétique et postmodernisme et de La publicité dans l'art contemporain II. Spécularité et économie politique du regard (L'Harmattan, 2009). Il a codirigé avec Marc Jimenez le volume collectif La pensée comme expérience. Esthétique et déconstruction (Publications de la Sorbonne, 2016). Récemment, il a dirigé Quand le discours se fait geste. Regards croisés sur la conférence-performance (Les presses du réel, 2018). Ses recherches portent sur la théorie visuelle, l'esthétique de la communication, la philosophie de la performance et la sociologie de la médiation culturelle.

Isabelle Barbéris est maître de conférences en arts de la scène à l'université Paris Diderot et chercheur associé au CNRS. Ses récents travaux portent sur les idéologies démocratiques de la scène contemporaine (théâtre, danse, performance) et la question du naturalisme scénique. Sont à paraître prochainement des articles sur la question des figures du parasite; un ouvrage sur théâtre et réseaux sociaux (Du masque au profil, Editions du bord de l'eau, printemps 2018); une préface au théâtre de Copi (édition Bourgois) et La représentation "inclusive". Critique de l'art sans fin (Titre provisoire, Presses universitaires de France).

Eliane Beaufils est maître de conférences en études théâtrales à l’université Paris 8, membre de l’EA 1573 « Scènes du monde et savoirs critiques ». Diplômée de l’Institut d’Etudes Politiques de Paris, agrégée d’allemand, elle a enseigné dans les universités de Hambourg, Strasbourg et Paris 4-Sorbonne. Elle est l’auteur de Violences sur les scènes allemandes (Paris, Presses de Paris Sorbonne, 2010), Quand la scène fait appel…Le théâtre contemporain et le poétique (Paris, L’Harmattan, 2014), ainsi que d’une quarantaine d’articles. Ses domaines de recherches ont trait aux esthétiques contemporaines : la performativité des corps et des voix, les esthétiques de la violence et de la douleur, les mouvements de sens dans les dispositifs postspectaculaires, les théâtralités critiques ou poétiques, en particulier dans le théâtre de langues allemande et flamande. Elle débute un nouveau projet de recherches sur les rapports entre arts et politiques climatiques.     

Virginie Bobin développe depuis 2008 des projets curatoriaux collaboratifs pouvant prendre la forme d’expositions, de publications, d’ateliers, de séminaires, d’interventions pédagogiques, de textes ou encore de conversations au long cours avec artistes, commissaires ou chercheur.se.s. En 2014, elle rejoint l’équipe de Bétonsalon - Centre d’art et de recherche comme Commissaire associée, en charge du projet des publics. Avec la directrice Mélanie Bouteloup, elle conçoit et met en oeuvre le projet artistique et culturel de la Villa Vassilieff, lieu de résidences, de recherche et d’expositions ouvert en février 2016 à Paris, dont elle jusqu’en 2018 la Responsable des programmes.

Entre 2009 et 2014, elle a travaillé comme Assistant Curator au Witte de With Center for Contemporary Art à Rotterdam ; Associate Editor de Manifesta Journal ; Chargée de la Coordination des Projets et des Éditions aux Laboratoires d'Aubervilliers ; Curatorial Assistant pour Performa, la Biennale de Performances de New York. Elle a réalisé plusieurs projets curatoriaux et de recherche à Tabakalera, MoMA PS1, e-flux space, The Royal Academy of Fine Arts (La Haye) …

Ses textes ont été publiés dans des livres, catalogues et revues internationaux, dont Metropolis M,Frieze d/e online, A Prior, Manifesta Journal, Flash Art, Zéro Quatre, Art21. Parmi ses projets éditoriaux récents: Re-Publication, co-édité avec Mathilde Villeneuve (Archive Books, 2015), Composing Differences (Les Presses du Réel, 2015) et Qalqalah (revue en ligne co-éditée par Bétonsalon – Centre d’art et de recherche, la Villa Vassilieff et Kadist Paris, 2015-2018).

Elle est membre du Conseil d’administration de l’Ecole Supérieure d’Art de l’Agglomération d’Annecy.

​

Yvon Bonenfant est professeur à l’Université de Winchester. Ses spécialités portent sur les processus artistiques et les pratiques vocales et élargies. Il est également le directeur artistique de l’association voix-art Tract and Touch. Avec une formation dans la technique de l’”extended voice”, dans la performance interdisciplinaire et les pratiques de création de l’”art-event”, le travail d’Yvon se tourne, depuis 2012, vers les façons d’inviter le grand public à réfléchir à la nature de la voix et au rôle que joue la voix sur la culture de manière générale, en les invitant les membre du public à devenir des “vocalisers”. Ceci l’a amené à réaliser un projet qui a pris la forme d’une visite interactive, d’une installation au Winchester Science Centre et d’une application IPad créée pour et avec des enfants âgés de 6 à 11 ans et avec leurs parents. Ce projet a été soutenu par le programme “Large Arts Awards for Public Engagement” du Wellcome Trust et par le Arts Council England.
Yvon Bonenfant est également théoricien et publie de nombreux articles dans des revues spécialisées reconnues et a présenté des communications dans une dizaine de pays. Au cours des deux dernières années, son travail a été présenté à Light Up Lancaster; au Festival des Lumières de Southampton, au British Art Show Fringe, au Chelsea Theatre, et une installation spéciale “voice-responsive” pour enfants souffrant de difficultés d’apprentissage sérieuses est en cours de réalisation à la Rosewood Free School à Southampton. Dans l’espace de ces douze mois, ses oeuvres dans les espaces publics ont attiré 200 000 personnes. Son travail bénéficie du soutien de l’AHRC, de la British Academy ainsi que de la Wellcome Trust et a tourné dans 10 pays.

Laurence Corbel est maître de conférences en Esthétique et Philosophie de l'art à l'université de Rennes 2 et membre de l'équipe Pratiques et Théories de l'art contemporain. Ses recherches consacrées aux écrits d'artistes dans toutes leurs dimensions (théoriques, critiques, fictionnelles) s'étendent désormais aux formes orales des discours d'artistes ainsi qu'aux transferts et interactions entre les arts visuels, la littérature et les champs de la philosophie, des sciences humaines et sociales. Elle a notamment publié Le discours de l'art de l'art. Ecrits d'artistes (1960-1980) aux Presses universitaires de Rennes (2012) et co-dirigé avec Agnès Lontrade La critique : art et pratique, Presses Universitaires du Midi (2016).

​

Aurore Després est maître de conférences en arts du spectacle à l'Université de Bourgogne-Franche-Comté, membre d’ELLIAD (EA 4661) et chercheur associée d’EsPAS de l’institut ACTE - Paris 1. En lien avec sa pratique de danseuse et de chorégraphe, ses recherches portent sur les logiques de la perception et du geste, du temps et de l'archive dans le champ de l'art chorégraphique contemporain et des nouvelles esthétiques de la danse à la croisée des arts plastiques et de l'art performance. Conceptrice du fonds d'archives audiovisuelles en ligne FANA Danse & Arts vivants, responsable du Diplôme Universitaire Art, danse et performance (2011-2014), elle a dirigé l’ouvrage collectif Gestes en éclats, Art, danse et performance, Presses du réel, 2016.

Luca Depietri

Après un diplôme en philosophie et sciences des religions à l’université de Fribourg, il accomplit un Master en Sciences de la communication avec une thèse sur l’expérimentation de formes in(ter)disciplinaires de production culturelle à l’Université de la Suisse Italienne. Il est cofondateur du KKuK (Institut pour la recherche sur l’art, la culture et le conflit) à Vienne, avec lequel il réalise plusieurs projets transdisciplinaires  tels que Il corpo violato: linguaggio della violenza violenza del linguaggio (Milan, Turin, présenté au Théâtre Espace, Turin, 2010), Homo Sacher, Integration Training Application for Smart Immigrant (Homo Sacher, Application d’entrainement à l’intégration pour des immigrants Smart – Vienne, présenté au festival Coded Culture, 2011) Untergangart, Updating the downfall (l’Art de la décadence. Une mise à jour de la chute. Vienne, prod. Tanzquartier Wien, présenté au Museumsquartier Wien, Halle G, 2012) et Kultur-Pause: Kinder Kuratieren (Pause-Culture: Les enfants curateurs, présenté au Büro für weltaustellung, Vienne, 2015).

Pour la Fondation Suisse pour la culture Pro Helvetia il  a coordonné le programme d'échange internationnal SMiR- Swiss Made in Russia et dirigé le programme transfrontalier Viavai - Contrebande culturelle Suisse-Lombardie avant de diriger la recherche en vue du nouveau programme d'échange en Amérique Latine Coincidencia. Il effectue actuellement une recherche pour la Haute École d'Arts Vivants La Manufacture et est actif en tant que dramaturge et médiateur culturel et scientifique pour l'Université de Genève. Il est co-auteur de la publication bilingue “Talking from Violence. Notes on Linguistic Violence» (Artphilein, 2011).

Raphaëlle Doyon enseigne la pratique et la théorie du théâtre à l’Université Paris 8. Après avoir suivi une formation pratique (École Jacques Lecoq, Théâtre du Mouvement, Odin Teatret) et joué avec différentes compagnies, elle se forme à l’anthropologie et aux études de genre à l’EHESS et soutient en 2008 une thèse de doctorat (dirigée par Jean-Marie Pradier) sur l’Anthropologie Théâtrale et les actrices de l’Odin Teatret, théâtre-laboratoire fondé par Eugenio Barba en 1964 à Oslo. Elle prolonge ensuite plusieurs pistes recherche : - sur le genre et le théâtre, dernière publication : co-dir. de la revue Horizons/Théâtre sur Genre et arts vivants, avril 2018 - sur la création collective : Les collectifs dans les arts vivants depuis 1980, L’Entretemps, 2014. / - sur les liens entre théâtre et anthropologie : elle fait pratiquer aux étudiant·e·s des restitutions performatives de terrains ethnographiques (Turner, Conquerwood) et prépare actuellement un recueil d’articles et d’entretiens sur les processus de création ethnographiques impliquant des non-professionnel·le·s sur les scènes contemporaines françaises.

​

Tim Etchells est un artiste et écrivain basé au Royaume-Uni et dont le travail oscille entre performance, arts visuels et fiction. Il a travaillé dans une grande variété de contextes, notamment en tant que directeur artistique du groupe de performance mondialement connu Forced Entertainment, basé à Sheffield. Ses publications les plus récentes incluent Vacuum Days (Storythings, 2012) et While You Are With Us Here Tonight (LADA, 2013). L´oeuvre d´Etchells a été exposée récemment à la Tate Modern, au Cubitt, à la Hayward Gallery et au Bloomberg SPACE (Londres); au Turner Contemporary, au The Grundy and Compton Verney (Royaume-Uni); au Witte de With (Rotterdam); au MUHKA (Anvers); au Kunstverein Braunschweig et à la Kunsthalle Mainz (Mayence).

Actuellement professeur de Performance & Writing à l'Université de Lancaster, Etchells a été lauréat du prix “Legacy : Thinker In Residence” décerné par la Tate/ Live Art Development Agency en 2008. Artiste de la ville de Lisbonne en 2014, il a reçu le prestigieux prix Spalding Gray Award en février 2016. Forced Entertainment a reçu le International Ibsen Award 2016 pour sa contribution novatrice dans le domaine du théâtre contemporain et de la performance.

Barbara Formis est Maître de conférences en philosophie de l’art et esthétique à l’Ecole des Arts de la Sorbonne (Paris 1). Membre permanent de l’Institut ACTE, elle est responsable de l’équipe de recherche EsPAS (Esthétiques de la Performance et des Arts de la Scène) et co-dirige avec Mélanie Perrier le Laboratoire du Geste. Elle a notamment publié : Esthétique de la vie ordinaire (2010), Gestes à l’œuvre (dir. 2015) et Penser en corps (dir. 2009).

Après des études de philosophie, Julien Fournet essaie vaillamment de reproduire les grandes excitations vécues lors de ses classes vertes en appliquant peu ou prou les mêmes recettes dans le domaine des arts vivants. S’ensuit une série de tentatives hétéroclites : bals littéraires, campings mixtes, parcours urbains, visites guidées, cabarets, projections en plein air (de 2003 à 2007).

En 2007, il s’associe à Antoine Defoort et Halory Goerger avec lesquels il crée deux spectacles. Il occupe la place de comédien-opérateur ou d’assistant-scénographe. Par ailleurs, diplômé en bricolage culturel, il prend également en charge le montage et la production des projets (Cheval 2007, &&&&& & &&& 2009) ; devient un temps tour-operator, tennis-partner, sherpa et co-pilote dans la brousse des tournées.

En 2010, il devient directeur de l’amicale de production (coopérative de projets vivants) et continue son travail de producteur (Germinal 2012).

Il poursuit actuellement deux pistes de création singulières et complémentaires.

L’une est collective, épique et expérientielle. Elle est centrée autour du jeu (fête foraine, chasse au trésor, spectacle en kit, labyrinthe), et s’ins­crit dans des contextes in situ (France distraction 2012, La chasse 2015, Collectif jambe 2016).

L’autre est solitaire, poétique et cérébrale. Elle aborde gaiement des sujets d’ordre philosophique (expérience esthétique et massage moral, science-fiction politique et événement populaire), et prend la forme d’interventions type conférences et travaux manuels (Le jeu de l’oie 2013, Les Thermes 2014, Amis il faut faire une pause 2016).

Indoor ou outdoor, ces deux pistes forment le même dessin et la même politique : elles s’installent dans les plis du réel et tente de le déployer au travers d’expériences frisant l’éternuement.

La pratique artistique de Louise Hervé et Chloé Maillet repose sur la narration. Leurs projets rassemblent faits historiques, fiction ou réalités nouvelles et prennent la forme de films, installations et conférences performées. Leur mode opératoire combine le discours scientifique et les commentaires personnels et a été décrit comme une archéologie du savoir. Elles sont nées en 1981 et travaillent ensemble à Paris depuis 2000. Elles ont fondé l’I.I.I.I. (International Institute for Important Items) en 2001. Leur travail a fait l’objet d’expositions personnelles à : Contemporary Art Gallery de Vancouver (CAN), la Synagogue de Delme (FR), FRAC Champagne Ardenne (FR), Kunstverein Braunschweig (DE), Kunsthal de Aarhus (DK) et au Crédac-centre d’art d’Ivry-sur-Seine. Elles proposent une exposition intitulée "Plus de voix humaines, seulement le chant des oiseaux" à la galerie Marcelle Alix (Paris) en avril- mai 2018, Le Carreau du Temple présente Un projet important (2009) du 7 avril au 26 mai (vestiaire n°9).

​

Hunt & Darton est le nom de la collaboration de Live Art entre Jenny Hunt et Holly Darton, les créatrices du pop-up café multi-primé, le Hunt & Darton Cafe. “Nous faisons toute les deux de l’art depuis que nous avons obtenu notre diplôme à la Central Saint Martins en 2003 et cela fait dix ans que nous travaillons ensemble. En approchant l'art vivant à partir du contexte des beaux-arts, nous défendons, à partir de l’usage de plusieurs supports, une conception sculpturale de la performance. Nous mettons en scène des mots et des mouvements, de façon sensorielle, dans des chorégraphies, et nous mettons en place des espaces alternatifs - souvent en créant des installations au sein desquelles nous performons. Notre travail puise dans nos sources de joie et nos sujets d’anxiété et tourne autour de la vie et des choix qu’elle offre, particulièrement en tant que femmes vivant aujourd’hui en Grande-Bretagne. Nous sommes habitées, dans notre pratique, par le souci de constamment réévaluer notre relation au public et nous privilégions l’ouverture et l’accueil mais aussi les moments de gêne ainsi que la prise de risque, en cherchant constamment à combler le fossé entre l´artiste et le spectateur. Nous optons pour une esthétique brute, crue et conversationnelle”. Commandé dans un premier temps par le Live Art Collective East pour l'Olympiade culturelle, le pop-up Café est apparu au Cambridge City Centre (mai 2012), au Fringe d’Edimbourg (2012 et 2013), dans la rue Lower Clapton Road dans le quartier de Hackney à Londres (janvier à juillet 2013), à la Tate Modern, au Barbican et au Latitude Festival. En 2014-15, le café a été présenté dans le cadre d’une candidature réussie pour le STF Arts Council England, qui a attiré 100 000 nouveaux spectateurs en tournant dans 14 lieux au Royaume-Uni et 3 grandes villes chinoises, avec le soutien du British Council et du Forest Fringe. Les artistes ont récemment reçu une bourse du Arts Council England pour présenter en tournée leur nouvelle pièce publique et interactive en extérieur intitulée Radio Local, une émission de radio enregistrée en direct et construite avec le public présent sur place. Hunt & Darton sont Artistes Associées de Artsadmin et du Cambridge Junction.

​

Arthur Igual a été formé au Conservatoire National supérieur d’art dramatique dans les classes d’Andrzej Seweryn, Dominique Valadié, Daniel Mesguich, Michel Fau, Muriel Mayette, Philippe Adrien et Árpád Schilling, et dans les ateliers cinéma de Philippe Garrel et Cédric Klapisch. Au théâtre, il joue dans les mises en scène de Muriel Mayette (Les Cancans de Goldoni), Philippe Adrien (Jeu de massacre d’Eugène Ionesco), Árpád Schilling (Mission impossible, atelier Hamlet), Sylvain Creuzevault (Baal de Brecht, Notre terreur, Le Capital et son Singe), Denis Podalydès et Frédéric Bélier-Garcia (Le Mental de l’équipe d’Emmanuel Bourdieu), David Gery (L’Orestie d’Eschyle), Jean-Paul Scarpitta (La Flûte enchantée de Mozart, Les Cahiers de Vaslaw Ninjinsky), Olivier Py (stage autour de L’Orestie d’Eschyle), Jean-Paul Wenzel (Ombres portées d’Arlette Namiand), Frédéric Bélier-Garcia (Le Garçon girafe de Christophe Pellet), Laurent Laffargue (La Grande Magie d’Eduardo de Filippo), Roger Vontobel (Dans la jungle des villes de Brecht), Macha Makeïeff (Trissotin ou Les FemmesSavantes de Molière) et Guillermo PIsani (J’ai un nouveau projet). Au cinéma, il joue notamment dans L’Étoile de mer (Caroline Deruas Garrel), Mes copains et Petit Tailleur (courts-métrages de Louis Garrel), Actrices (Valéria Bruni Tedeschi), La Jalouse (Philippe Garrel) et Mal de pierres (Nicole Garcia). À la télévision, il joue dans À la recherche du temps perdu (Nina Companeez) et Bankable (Mona Achache).

​

Yvain Juillard se forme à l’INSAS/section interprétation dramatique (Bruxelles). Sur scène, il incarne Louis 16 dans Ça ira (1) Fin de Louis, de Joël Pommerat. Il a travaillé sous la direction de Yoshi Oïda, Michel Dezoteux, Philippe Sireuil, Jean-Baptiste Sastre (Festival d’Avignon), la compagnie Mossoux-Bonté (Danse), Lorent Wanson, Virginie Thirion, Rafaël Spregelburd (École de maîtres).Au cinéma, il tourne dans plusieurs courts et longs métrages. Il est Nox au côté de Nathalie Baye et Maïwen dans la série éponyme réalisée par Mabrouk El Mechri. Passionné de sciences (Master de recherche en Biophysique et Magistère Européen en Biologie Intégrative), il développe depuis 2009 au théâtre de l’L, une réflexion sur les notions d’« identité » et de « réalité phénoménale ». Lauréat 2013 et 2016 d'une bourse d’écriture à la Chartreuse de Villeneuve-les-Avignon, il écrit et crée «  Cerebrum, le faiseur de réalités » en février 2018 au Théâtre de la Loge à Paris en partenariat avec les neuroscientifiques Yves Rossetti (INSERM) et Céline Cappe (CNRS). Il se produira à la Scène Nationale de Chambéry en février 2019 puis sera en tournée en France et en Belgique en 2020.

Chloé Lavalette est élève à l’ENS et masteurante à l’Université Paris III, inscrite, depuis 2015, au sein du doctorat de recherche-création SACRe (Paris Sciences Lettres Research University), Chloé Lavalette effectue sous la direction de Christophe Bident une thèse en Études Théâtrales intitulée Nudité, émancipation, pudeur. Nouveaux enjeux et réceptions de la nudité sur les scènes contemporaines (1990-2018). Formée comme comédienne au sein du Laboratoire de Formation au Théâtre Physique à Montreuil, elle collabore au sein de plusieurs collectifs et compagnies (Collectif Nash, Full Frontal Theatre). Depuis 2017, elle développe Crap, crap, crap... un projet de recyclage par la performance des déchets de sa recherche doctorale.

Mireille Losco-Lena est Professeure des universités en études théâtrales, membre de l’équipe de recherche Passages XX-XXI de l’Université Lyon 2, Mireille Losco-Lena est en poste, depuis 2010, à l’Ecole Nationale Supérieure des Arts et Techniques du Théâtre (ENSATT), où elle est responsable de la recherche. Elle a publié des articles et des ouvrages sur la mise en scène et les dramaturgies symbolistes et naturalistes au tournant 1900 ; sur les écritures théâtrales comiques dans le champ européen contemporain, et sur les croisements entre études théâtrales et études visuelles (co-direction avec Florence Baillet et Arnaud Rykner, du numéro L’œil et le théâtre de la revue Etudes théâtrales, 2016).

Ses activités à l'ENSATT l'ont amenée à travailler sur la recherche-création et l’émergence d’un paradigme de recherche dans les pratiques théâtrales depuis le début du XXe siècle. Dans ce champ spécifique, elle a co-dirigé, avec Izabella Pluta, le dossier Théâtres Laboratoires. Recherche-création et technologies dans le théâtre aujourd’hui (Ligeia no 137-140, 2015), et dirigé l'ouvrage collectif Faire théâtre sous le signe de la recherche, Rennes, PUR, 2017.

Guillaume Mazeau est Maître de conférences en histoire à l'Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne et membre associé de l’Institut d’Histoire du Temps Présent. Il s’intéresse à l’histoire de la Révolution française et aux questions d’épistémologie de l’histoire, en particulier aux différentes formes de transmission et aux usages du passé. Il est l’auteur du Bain de l’Histoire (2009) et prépare un livre d’essais intitulé La Révolution française. Une histoire au présent (2019). Il est également commissaire d'expositions et conseiller historique pour le théâtre et le cinéma.

Barbara Métais-Chastanier est autrice et dramaturge. Elle a collaboré avec Noëlle Renaude à l'écriture des Accident* et avec Gwenaël Morin sur le projet du Théâtre Permanent en 2013 et 2014. Keti Irubetagoyena (Embrassez-les tous, Centquatre, 2012, Il n’y a pas de certitude, La Commune, 2016, La Femme® n’existe pa*, L'Échangeur, 2018) et plus récemment Marie Lamachère (Nous qui habitons vos ruines, 2017) ont mis en scène ses pièces. En 2015, avec Olivier Coulon-Jablonka - qui en signe la mise en scène -, Camille Plagnet et huit comédiens sans-papiers habitant dans un squat à Aubervilliers, elle crée 81 avenue Victor-Hugo au CDN La Commune. La pièce est ensuite reprise dans le cadre du Festival d’Avignon, à Riga, Marseille et à Paris dans le cadre du Festival d’Automne. De cette aventure, elle tire le récit Chroniques des invisibles (Passager clandestin, 2017) qui donne lieu à une lecture musicale créée à Théâtre ouvert (2017) avec Julie Moulier et Sarah Métais-Chastanier. Par ailleurs, maîtresse de conférences en littérature contemporaine et arts, Barbara Métais-Chastanier poursuit ses recherches dans le domaine de la recherche-création, des écritures du réel et des dramaturgies du document au sein du laboratoire LLA-Créatis (Toulouse II). Avec Muriel Plana, elle co-dirige  la collection de théâtre contemporain « Nouvelles scènes francophones ».

Alix de Morant est Maître de Conférences à l’université Paul-Valéry Montpellier 3 et membre du RIRRA 21 (EA 4209). Elle est à ce titre associée au Master EXERCE adossé à l’université Paul Valéry et à ICI-Centre Chorégraphique National de Languedoc Roussillon dirigé par Christian Rizzo et dirige le Master pro DAPCE. Auteur avec Sylvie Clidière d’Extérieur Danse, essai sur la danse dans l’espace public, (Montpellier, L’Entretemps 2009) elle a participé aux ouvrages, La scène et les images (Paris, CNRS 2001), Butô(s) (Paris, CNRS, 2002), Rythmes, flux, corps. Art et ville contemporaine (CIEREC-Presses Universitaires de Saint Etienne, 2012), Danser la rue (Presses Universitaires de Rouen, à paraître). Outre son intérêt pour les démarches chorégraphiques in situ et les expériences participatives en espace public, ses recherches portent sur les esthétiques chorégraphiques contemporaines et la performance.

Olivier Normand est danseur, chorégraphe, chercheur. Après des études de Lettres Modernes, il se forme à la danse contemporaine dans le cadre du programme ex.e.r.ce (dir. Mathilde Monnier et Xavier Le Roy) au Centre Chorégraphique National de Montpellier, et du programme Transforme à l'Abbaye de Royaumont (dir. Myriam Gourfink). Il se forme également au jeu théâtral et au chant lyrique dans le cadre des Conservatoires Régionaux de Montpellier. Depuis 2007, il est interprète, entre autres, pour Mathilde Monnier, Alain Buffard, Fanny de Chaillé, Béatrice Massin, Joris Lacoste, Bruno Geslin, Lorenzo de Angelis et Emilie Rousset. En 2009 il a réalisé à l'Université Paris 8 un mémoire de Master sur Vaslav Nijinsky. Récemment, il a entrepris un travail écriture sur le métier d’interprète : « Sous le regard, essai sur le désir de scène ». Il signe également des pièces, à forte dimension musicale, ICI (avec Mylène Benoit), puis L’Artificier et Récital.

Terry O'Connor est l’une des membres fondatrices de Forced Entertainment, un collectif de six artistes basé à Sheffield et qui fait des spectacles depuis 1984. En 2016, la compagnie a reçu le prix international Ibsen pour sa contribution à la création théâtrale. En 2009, O’Connor a reçu une bourse du AHRC pour un Creative Fellowship à l’Université de Roehampton et en 2011 elle a été nommée Professeur de théâtre contemporain et de pratique performative à l’Université de Sheffield. En novembre 2016, O’Connor a reçu une autre bourse Creative Fellowship au sein d’une collaboration entre l’Université de Birmingham, le Royal Shakespeare Company et le Shakespeare Institute. Sa pratique de recherche s’articule autour des processus d’improvisation et expérimentaux et des esthétiques collaboratives au sein de la performance contemporaine.

​

Laurent Pichaud est chorégraphe et interprète, directeur artistique des projets x-sud, et artiste chercheur associé au département Danse de l’université Paris 8, après avoir participé à l’élaboration et au suivi du master exerce – études chorégraphiques «Recherche et représentation» de l’IcI-ccn Montpellier – université Paul-Valéry).

À l’intérieur de ses créations et recherches, il privilégie les questionnements sur l’inscription d’un geste chorégraphique dans des champs non spécifiquement artistiques ou théâtraux – pratiques in situ, pièces à dimension territoriale auprès d’habitants –, ou encore son compagnonnage avec la chorégraphe américaine Deborah Hay – auprès de laquelle il est tour à tour interprète («O, O» en 2006), assistant (depuis 2008), co-chorégraphe (indivisibilités, en 2011), puis plus récemment traducteur –, qui lui permet d’observer comment une écriture textuelle se déploie comme outil de documentation et de transmission du geste dansé.

En 2018, en résonance à son propre travail de chorégraphe et comme nouvelle étape de ce compagnonnage, Laurent Pichaud débute une thèse de création à l’université Paris 8 sur le sujet : Faire de l’in situ dans l’œuvre d’une autre artiste, Laurent Pichaud - Deborah Hay.

Ambra Pittoni est une artiste et chercheuse indépendante qui vit et travaille entre Turin et Paris. Elle a, entre autres, présenté ses oeuvres à De Appel (Amsterdam), OGR (Turin), Maga Museum of art (Milan), CCA Zamek Ujazdowski (Varsovie), Ashkal Alwan (Beyrouth), Roberta (Frankfurt), Museo Apparente (Naple), Sophiensaele (Berlin), Clog (Turin). Elle est professeure associée à l’Académie des Beaux Arts de Milan (NABA). Entre 2015 et 2018, elle a été invité à participer, comme artiste/chercheuse, au projet de recherche Ricerca X aux Centre Chorégraphique des Lavanderie a Vapore (Collegno). Depuis 2009, elle collabore avec l’artiste français Paul-Flavien Enriquez-Sarano. Ensemble, avec la commissaire d'exposition Lucrezia Calabrò-Visconti, ils ont fondé The School of the End of Time, projet officiel du programme éducatif de la Biennale de Moscou 2018.x

​

Efrosini Protopapa est une chorégraphe et chercheuse basée à Londres. Ses centres d’intérêt portent sur mes pratiques expérimentales et conceptuelles entre danse, théâtre et performance et ses travaux récents se concentrent sur des notions telles que la réflexion, la négociation, le désaccord, l’amitié, la valeur et le travail en performance. Protopapa a présenté son travail chorégraphique en Grande-Bretagne, aux Pays-Bas, en Allemagne et en Grèce, et elle a récemment tourné un travail commandé par Siobhan Davies Dance. Dernièrement, Efrosini travaille sur un projet de recherche chorégraphique intitulé The Friend at Work et a co-édité The Practice of Dramaturgy: Working on Actions in Performance (Valiz, 2017). Protopapa est Lecturer (MCF) en Danse à l’Université de Roehampton où elle coordonne le programme en Master de Chorégraphie et Performance. Elle enseigne également à l’étranger et a publié dans des revues, des publications artistiques et des catalogues pour des festivals de performance.

Emanuele Quinz est historien de l’art et commissaire d’exposition. Maître de conférences à l’Université Paris 8. Depuis 2012, il aussi enseignant-chercheur associé à l’EnsadLab, Ecole Nationale Supérieure des Arts décoratifs / PSL, dans le cadre du programme de recherche Reflective Interaction, où il co-dirige le séminaire doctoral. Ses recherches explorent les convergences entre les disciplines dans les pratiques artistiques contemporaines : des arts plastiques à la musique, de la danse au design.

Il est l’auteur de Le cercle invisible. Environnements, systèmes, dispositifs (Les presses du réel, 2018), et il a dirigé ou codirigé plusieurs ouvrages dont Digital Performance (Hyx, 2002), Strange Design (avec J. Dautrey, éditions it:, 2014), Esthétique des systèmes (Les presses du réel, 2015), Behavioral Objects I (avec S. Bianchini, Sternberg 2016), Uchronia (avec F. Apertet, A. Vigier, Sternberg 2017).

Il a été commissaire d’expositions internationales comme Invisibile (Sienne, 2004), et, avec L. Marchetti,  Dysfashional (Luxembourg, 2007; Lausanne, 2008; Paris 2009; Berlin, Moscou 2010, Jakarta 2011), Basic Instincts (Berlin 2011, Arnhem, Shenzhen 2012).

Sabine Quiriconi est dramaturge, membre du laboratoire HAR (Histoire des arts et des représentations) et maîtresse de conférence à l’Université Paris Nanterre où elle dirige, avec Christophe Triau, le master “Théâtre : mise en scène et dramaturgie”. Elle enseigne la pratique et la théorie et donne régulièrement des cours d’histoire du théâtre et de dramaturgie à l’école du TNS. Ses travaux de recherche portent sur le théâtre contemporain (textes et mises en scène). Depuis 2013, elle organise des ateliers laboratoires de recherche-création dédiés à la scène et aux nouvelles technologies dans le cadre du programme IDEFI CréaTIC dont elle préside le conseil d’orientation pédagogique.
Elle a travaillé à la dramaturgie de plusieurs spectacles mis en scène, notamment, par Eric Vigner.

Yves Rossetti est professeur de physiologie à la faculté de médecine de Lyon et chercheur au centre de recherche en neurosciences de Lyon. Ses recherches et son enseignement sur les neurosciences cognitives de la perception et de l'action ainsi que sa formation en communication non violente l'ont amené à développer une réflexion pédagogique sur notre lien complexe à la réalité. Nous ne percevons pas la réalité et en même nous devons interagir avec elle de façon efficace. Notre équipement sensoriel et nerveux a donc évolué pour s'ajuster à cette nécessité en formulant des interprétation du monde. Ces interprétations sont généralement utiles à nos interactions avec le monde mais peuvent s'avérer trompeuses. Les illusions ne révèlent pas que notre cerveau nous trompe mais bien plutôt les astuces qu'il a développé pour rendre compte de la complexité du monde. La seule véritable erreur consiste à confondre nos interprétations avec la réalité... Prendre notre interprétation pour la réalité peut avoir des conséquences néfastes sur notre représentation du monde, sur nos interactions avec le monde et également de façon déterminante sur notre communication avec autrui. L'expérience et la prise de conscience du hiatus entre la réalité et l'évidence de notre interprétation offre donc la possibilité de relativiser nos certitudes et de modifier son rapport au monde et à l'autre en développant la prise de perspective.

​

Martina Ruhsam est artiste, auteur et conférencière vivant actuellement à Francfort-sur-le-Main. De 2006 à 2017 elle a réalisé de nombreuses performances, interventions, projets transmédia, et collaborations artistiques (principalement avec Vlado G. Repnik) qui ont notamment été présentés au Tanzquartier Wien, dans le cadre du festival de Vienne (Wiener Festwochen), au Cankarjev Dom, au Kino Šiška (Ljubljana) et au MSUM (musée d´art contemporain Metelkova/Ljubljana). De 2008 à 2009 elle a travaillé au sein du Département des matières théoriques du Tanzquartier Wien. En 2011 sa monographie Kollaborative Praxis: Choreographie a été publiée par Turia + Kant. À présent, Rusham est enseignante et chercheuse associée à l'Institut des Études Théâtrales appliquées à Giessen, où elle effectue également son doctorat sur l’entremêlement des corps humains et non-humains dans les chorégraphies contemporaines (sous la direction de Prof. Dr. Bojana Kunst).

​

Gretchen Schiller est chorégraphe et Professeure à l’Université Grenoble Alpes. Elle dirige la Structure Fédérative de Recherche Création qui s'installera dans les nouveaux locaux de la Maison de la création et de l'innovation en 2019. Elle est chercheuse principale du Performance Laboratory - un projet du label IDEX réunissant des universitaires de la géographie, des arts de la scène et de l'informatique sur une période de 3 ans et demi. Les recherches de Schiller dans le domaine de la chorégraphie se concentrent sur la notion d’agentivité incarnée à travers des installations participatives, des “danses d´écran”, des performances, des ateliers et l´écriture critique.

Née au Canada et élevée au Brésil, en Colombie et en Australie, elle a obtenu son B.A. en danse et en études canadiennes francophones de l´Université Calgary (Canada), son M.A. en chorégraphie de l’UCLA (États-Unis) et son doctorat au sein du programme de recherche en science, technologie et art de l'Université de Plymouth (Royaume-Unis). Elle a aussi été étudiante indépendante/ auditrice au département des arts visuels du MIT Cambridge (États-Unis).

Eric Valette, est artiste et Professeur des Universités en arts plastiques à l’Université de Picardie Jules Verne (Amiens). Il est un des membres fondateurs du Collectif Suspended spaces. Actif depuis 2007, ce collectif d’artistes et de chercheurs travaille à partir d’espaces fragiles, en suspens, dont le devenir a été empêché pour des raisons de conflits politiques, économiques ou historiques. Les recherches d’Eric Valette interrogent la question de la représentation, et il s’est plus particulièrement intéressé à la perspective et le rapport au réel. Son travail plastique utilise la vidéo montrée en installation, mais aussi le dessin et la conférence-performance. Il collabore également régulièrement avec le chorégraphe de Bruxelles Mauro Paccagnella, pour des performances, installations vidéo, et spectacles. www.ericvalette.net  |  www.suspendedspaces.net

​

Lois Weaver est une artiste, activiste et Professeure de performance contemporaine à l'Université Queen Mary de Londres. Depuis 1980, elle est auteure, réalisatrice et performeuse avec Peggy Shaw et Split Britches. Ses expérimentations dans le domaine de la performance comme moyen d’engagement du public comprend Long Tables, Porch Sittings, Care Cafe et son personnage porte-parole de Tammy WhyNot. Un livre à propos de son travail sur la performance, The Only Way Home Is Through the Show, édité par Jen Harvie, a été co-publié par Intellect Books et The Live Art Development Agency en 2015. Lois a reçu la bourse Guggenheim ainsi que le soutien de la fondation Wellcome Trust pour l’Engagement et a été récompensée en 2018 du prix WOW Women in Creatives Industries Award for the Fighting the Good Fight.